8月15日，当周深在2026TME中国音乐影响力峰会现场唱起《好运来》，笑着问台下“大家接不接好运？”，全场齐声回应“接！”此刻，澳门的会场气氛被瞬间点燃。

坐在台下的从业者和音乐公司老板们，此刻心情前所未有的放松。

台上接好运，台下算账本。如阔景音乐集团首席执行官刘鑫的感叹：“今年上半年，大家确实都比较焦虑。随着AI带来的冲击、大量新歌上线以及平台规则的改变，所有团队成员都需要重新适应。”他说，过去一首歌该投多少钱、推多久、能拿到多少回报，团队心里有数，“但现在大家有些迷茫，不知道投入以后是否一定会有产出”。

这就是2026年中国音乐产业的真实切面，一边是市场大盘持续增长，IFPI最新报告显示2025年中国录制音乐市场已跃居全球第四，TME在线音乐付费用户达到1.274亿，MEDiA预测2033年中国将成为全球第二大市场，仅次于美国，未来数年的时间窗口极为宝贵；另一边是AIGC音乐大规模量产，洗盗蹭让音乐市场更加混乱，CISAC预测到2028年音乐创作者可能有24%的收入面临被替代或稀释的风险，音乐产业从版权保护、艺人定位、演出模式都在经历结构性震荡。

2026年8月15日，由腾讯音乐娱乐集团（TME）主办的“2026 TME中国音乐影响力峰会”在澳门举行，主题为“全球声长，IP无界”（Music IP: Where the Future Grows）。音乐财经编辑部（ID：musicbusiness)全程跟踪了本次峰会，在AI重塑产业规则的当下，音乐IP如何实现持续增长？本文将从歌曲IP、艺人IP与演出IP三个维度，找到穿透全场景的IP培育与发展之道。

洗盗蹭乱象

AI时代，音乐IP的版权保卫战

“整个音乐行业最关键的东西到底是什么？对我来讲，最关键的一定是音乐内容的创作，以及相关知识产权的保护。”

在峰会现场的致辞中，腾讯音乐娱乐集团执行董事长彭迦信把话题放到行业发展的根基“版权保护”，当AI浪潮让内容生产变得容易，但好的、高品质的音乐更加稀缺，行业有责任打造更高品质的音乐IP。

世界知识产权组织（WIPO）中国办事处主任刘华给出了一组关键数据，截至2025年第四季度，腾讯音乐在线音乐付费用户达到1.274亿，超级会员用户超过2000万，她将这组数字定义为数亿听众用钱包投出的信任票。但紧接着，刘华话锋一转，“现在AI可以模仿你的嗓音，复制你的风格，在权利人毫不知情的情况下把新作推给千家万户，侵权和创作之间的边界正变得模糊。”

刘华也提及，2025年TME全年完成60多次高风险版权内容梳理和处置，累计处置盗歌、洗歌以及蹭热歌曲超过2.7万首，“技术带来的挑战必须用技术来回应。”

所谓洗歌，是指利用AI工具对已有歌曲进行改编、翻唱或模仿，生成一首听起来不同、但核心旋律和风格高度相似的新作品；盗歌是直接盗用大众熟悉的原曲，通过更换演唱者或重新制作录音制品来侵占流量；蹭歌更多是借助热门歌曲的标题、封面、关键词、一段熟悉的旋律或者歌词，将用户引导至完全不同的另一首录音制品。

“洗盗蹭乱象”下的共同点，都是利用AI大幅降低了仿制成本，让侵权变得规模化、隐蔽化。

正如腾讯音乐娱乐集团高级副总裁、内容合作、发行业务及演出业务总裁、TMEA/TIMA总负责人潘才俊描述的一个典型场景，用户在短视频平台上看到一首不错的歌，点击相关链接，结果跳转到另一个平台以后，播放的却不是原来的那首歌，而是一首由AI随意生成的内容。用户不断被这样的场景麻木、麻痹，到最后搞不清楚自己听到的究竟是什么，只会觉得反正有东西听就行了。

潘才俊将这种现象称为“杀鸡取卵”，问题的严重性在于，音乐公司需要场景和渠道推广歌曲，短视频平台在这个过程中获得了大量流量价值，“但这些流量并没有得到公平分配。先不谈收益是否公平，很多时候，连流量都被别人拿走了”。

潘才俊同时对AI海量生成音乐的必要性提出了质疑：“内容的规模固然被扩大了，但人的注意力与时间是有限的，每个人一天只有24小时，一首歌大约4分钟，大家总计听歌的数量也就几千首。既然如此，为什么要创造出几亿首远超用户需求数量的歌曲？”

阔景音乐集团首席执行官刘鑫从厂牌一线的视角，补充了更具体的从业体感。他提到，今年上半年团队普遍焦虑，原因不只是AI本身，还有大量新歌上线以及平台规则的改变。在原来的业务体系下，一首歌该投入多少、推广多久、能拿到什么回报，团队有经验判断，但现在确实不知道投入以后是否一定会有产出。

刘鑫回忆道，自己刚入行时，老歌曲库占公司收入约80%，新作品只占20%，但现在新作品在曲库收入中的占比已接近50%。刘鑫表示，“音乐公司不可能永远只靠这一首作品的版权生存，持续创作新歌和推动经典曲库保值增值同样重要，而AI正在打乱音乐公司原有的生产、宣发和曲库沉淀模式。”

福茂唱片音乐股份有限公司董事长、音乐总监张耕宇的态度更为审慎。他承认AI在制作环节的效率价值，比如以前需要一周甚至一个月搜集参考资料，现在AI一分钟就能整理出来。但他同时提出了一个尖锐的问题，“未来你要怎样证明AI抄袭了你的歌？如果它模仿以后，做得甚至比你还好，又应该怎么办？”

张耕宇甚至设想了一种极端场景：“十年以后出生的孩子，如果从小接触的就是AI音乐，他们会不会反而觉得真人演唱是老古董？”对此，张耕宇的结论是，AI应该是帮助创作者的工具，而不是让人抄袭的工具。

环球音乐中国董事总经理暨环球音乐大中华区高级副总裁胡译友援引2025年美国流媒体市场数据指出，约57%的点播音频流来自发行时间超过五年的作品，以1990年发行的谭咏麟《卡拉永远OK》为例，这首歌近年又被年轻人重新发现、争相模仿，再次走红。

胡译友将稀缺内容定义为那些拥有明确版权、经过历史积累、具有真实艺人身份、已经被消费者验证，并且能够跨越几十年持续被消费的内容。他表示，环球音乐所拥有的并不是大量普通的音频文件，而是大量已经建立消费者认知的音乐版权、长期积累的艺人关系，以及能够与时俱进的全球发行能力。

从法律红线到创作者的盔甲

AI时代的规则是什么？

国际作者和作曲者协会联合会（CISAC）北京代表处首席代表张晶从国际组织视角划出了三条红线。张晶认为，创作者最关心的问题其实是“我的作品有没有被使用？作品被使用以后，我是否知情？”

CISAC据此提出三项基本原则“授权、透明度和报酬”。张晶援引CISAC于2024年底发布的全球研究报告指出：“如果不能建立合理的规则规范AI训练和生成，到2028年，音乐创作者可能有24%的收入面临被替代或稀释的风险。”

张晶还介绍了瑞典词曲作者协会STIM于2025年推出的集体AI音乐许可试点，与AI音乐公司Songfox和版权归因技术公司Sureel合作，覆盖明确选择加入的作品，在训练阶段、使用阶段和生成内容被使用后均进行授权和收益分配，为行业提供了可操作的路径。

著名作词人、音乐企划易家扬回忆起一年前参加AI主题会议时的场景，主持人问他怕不怕AI？他当时的回答是：“我怕，但是我也没有办法。”他把那种感觉比作“披着一身破旧的盔甲，冲进丛林里寻找宝藏”。

在易家扬看来，创作者个人的力量有限，很难依靠个人改变行业，但现场演出和音乐综艺的发展，让很多作品在后续传播中获得了新的机会。“创作者也确实需要一个庞大、积极的支持体系。它应该包括法律界、音乐产业界，以及真正理解AI技术发展的各方伙伴，共同为那些致力于创作的人搭建一座安全的城堡。”

北京大学法学院教授、知识产权学院常务副院长杨明从法学角度剖析了AI侵权的三个新特征。

第一，成本大幅下降，过去要盗用一首歌曲，至少需要复制、下载或者重新制作，现在借助AI工具，可以更加低成本地完成模仿、翻唱或改编，甚至接近零边际成本；第二，速度极快，歌曲首发后很快出现大量仿制内容；第三，形式变化，从复制录音制品转向改编、翻唱、洗盗蹭。

杨明同时提到两个具有标杆意义的国际案例。近期，德国慕尼黑地区法院在GEMA诉OpenAI案中，认定特定歌词被模型记忆并在输出中复现，侵犯了相关权利人的版权；在GEMA诉Suno案中，对未经授权使用音乐作品进行训练以及模型输出中复现相关音乐作品等行为作出了侵权判断。

值得注意的是平台态度的变化。过去一两年，全球互联网平台对AI音乐的态度多少有些暧昧，因为AI内容带来上传量、活跃度和内容库存，平台缺乏主动收紧的动力，权利人的抗议虽然不断，却缺少落地的抓手。但这一次，我们看到了TME清晰的态度。

杨奇虎把平台的责任拆成了三件事：第一，保证合规，模型训练过程中需要保障输入数据具有合法来源，这既是国家监管要求，也是法律法规提出的要求；第二，AI生成合成的内容应该按照相关规定进行标识，使其能够被用户和平台识别；第三，平台需要对AI生成内容和人类创作内容进行合理的分类管理。

杨奇虎的理由很直接，因为AI生产内容的速度远远快于人类创作，如果完全不区分人类作品和AI生成内容，AI内容的数量可能很快超过人类历史上积累的作品数量，并对原有的平台生态和分配机制带来冲击。杨奇虎赞成给AI音乐创作者一套与人类创作者不同的激励机制，“如果进行合理分类，AI生成内容也可以建立与其属性相适应的激励和管理方式，不必因为分类治理而阻碍AI技术发展。”

换句话说，AI音乐不应该与人类作品挤在同一个流量池和分账池里竞争，而是有一套与自身属性相适应的激励体系。对被“洗、盗、蹭”困扰的人类创作者而言，这是最实际的一种保护。

艺人IP与演出IP

粉丝经济的通行证是什么？

在AI时代，究竟什么样的艺人IP能够穿越周期？

著名音乐制作人梁翘柏选择三个词：原创性、创新性和主动性。梁翘柏解释道，原创性意味着真正具有原创性的艺人是无法被取代的，创新性是指艺人不仅能够突破既有规则，还可能对后来者产生深远影响，甚至推动整个行业发生改变，主动性则是非常进取的精神，主动探索、不断向前。

THE·TEAM高级副总裁、全球音乐艺人服务负责人Vince Amoroso的选择是创造力、全球性和连接力，他把逻辑落在产业本质上：“音乐产业本质上是在建立连接，连接艺人与粉丝，也连接不同文化、不同领域和不同群体。”

K-POP知名制作人、KMR首席A&R JINBY JIN则强调亲和力、文化影响力和跨越时代的生命力，他认为“一位非常成功的艺人或许能够在短时间内抓住所有人的眼球，但真正具有标志性的艺人，不仅能够长期受到关注，还能在文化层面留下深远影响，让作品跨越世代、持续流传。”

关于如何帮助艺人建立独特身份，Vince Amoroso分享了方法论：“我们会先深入了解艺人的故事，再一步一步把这个故事呈现出来。”围绕艺人的成长经历建立更多本地化连接，创作不同类型的内容，让艺人与粉丝之间形成持续互动，但“无论采取什么方式，最重要的始终是保持真实性”。

此次峰会最受瞩目的环节，是中国歌手周深与PMC全球副总裁、国际市场负责人Gurjeet Chima的对谈。

回忆2025年“9.29Hz”巡演启动之初，周深坦言非常紧张：“海外真的有人听过我唱歌吗？大家会不会觉得，周深，你好大的口气？”第二个纠结是歌单，是不是应该大幅调整、加入很多英文歌？纠结了一段时间后，他还是决定保留国内巡演的曲目。

“因为只有继续表达真实的自己，你才能确定，当作品被听到时，听众听到的真的是你。”周深笑道，第一场海外演唱会，现场有很多来自不同国家和文化背景的观众，其中很多人并不懂中文。“但当我演唱中文歌时，我能够感受到他们非常投入，也非常感动，这件事让我觉得特别幸福。所以，不要为了适应市场，就把自己变成一个标准化的产品。只有真实地表达自己，才有可能真正被听到。否则，可能只是从大家面前‘划过’了。”

Gurjeet Chima为中国歌手出海提出了三条建议。第一，需要同时拥有理解中国市场和国际市场的专业团队，如果希望进入国际市场，还需要有熟悉海外传播环境的团队，了解怎样通过Spotify、Apple Music以及Instagram、TikTok等平台进行内容传播；第二，成熟的产业体系可以提升效率，但不能因此把艺人变成标准化的产品，进入国际市场，艺人依然需要保留自己的文化背景、创作兴趣和独特风格；第三，需要建立面向国际市场的清晰表达，让国内表达与国际表达相互补充。”

粉丝经济是艺人IP增长的另一个引擎。

韩国知名社交平台Dear U副社长李学熙给出了一个辨别标准，当粉丝不再只是单方面接收内容，而是主动参与内容创作和传播时，他也会成为艺人内容生态中的重要参与者。

李学熙观察发现，现在越来越多粉丝从艺人的练习生时期、出道准备阶段就开始陪伴，站在粉丝的角度，他会觉得自己和艺人一起成长，“但是不能简单地把‘消费更多’与‘获得更多情感回报’直接挂钩，而应该在公平、健康、边界清晰的前提下，思考怎样为艺人与粉丝提供更有质量的沟通和连接。”

腾讯音乐娱乐集团内容合作部韩语合作中心高级总监金红梅分享了两个来自一线的观察。一是粉丝的跨国协作，来自全球不同地区的粉丝还会自发协作，即使语言不通，他们会发挥各自所长，共同帮助优质内容被更多人看见。二是海外艺人进入中国市场时的文化共鸣案例，在Alan Walker此前的中国巡演项目中，团队邀请中国青年唢呐演奏家参与，让现代电子音乐与中国传统民族乐器相融合，“现场粉丝的反馈非常好”。

腾讯音乐娱乐集团QQ音乐商业化中心高级总监杨再静则把艺人与粉丝的关系拆成四个阶段：认知、情感沉淀、归属感和超级粉丝。她认为，超级粉丝与艺人之间是一种双向的情感关系，超级粉丝不仅愿意支持艺人，也会因为对艺人的喜爱，让自己变得更加快乐，并在这个过程中获得成长。

对于演出IP来说，造梦之旅离不开艺人IP的加持。但更值得思考的是，到底什么样的演出能够成为传奇IP？是不是可以做到即使尚未公布阵容，仅仅发布一张海报，就迅速售罄？

创娱无界创始人兼CEO张翀硕给出了三个标准。第一，穿越周期、持续迭代，经历外部环境变化、经济周期和行业热潮的起伏之后，经过时间检验它依然存在；第二，拥有文化定义权，能够定义审美标准，影响行业对艺人和内容的判断，推动演出行业玩法的变化；第三，最终形成一种情感共同体，它与受众之间不再是简单的买卖关系，消费者可以转化为参与者和共建者，共同创造群体情绪和集体记忆，甚至让这种情感与文化在不同代际之间传承下去。

张翀硕以自己创办的泡泡岛音乐与艺术节为例，拆解了一个本土IP从零到一的路径。他认为，孵化一个新IP最重要的是价值主张和精神内核，泡泡岛的价值主张非常清晰，就是“体验至上、制造美好”，精神内核则体现在名字里，希望创造一个既轻盈、又热烈滚烫的乌托邦。

腾讯音乐娱乐集团内容合作和演出业务副总裁曾志中坦言，演出是一个非常传统的产业，自音乐出现以来现场演出就一直存在，对整个演出行业来说TME属于后来者，因此TME一直在思考的，是从服务艺人、服务内容和服务粉丝三个角度，打造一种不同于传统模式的演出体验。

以今年举办的第七届TMEA腾讯音乐娱乐盛典为例，曾志中表示，平台在服务艺人方面为艺人提供更好的表演舞台，在服务内容方面通过不同形式推动内容合作和舞台共创，在服务粉丝方面持续寻找更好的导演、舞美制作团队和演出场地，下周还将在香港举办第二届TIMA国际音乐大赏，“TIMA是我们从本土演出IP走向国际化的一次新探索，希望打造一个面向国际艺人、国际内容和全球乐迷的新舞台。”

英雄电竞联合创始人兼CEO唐丹妮把传奇IP分为三个层面：体验、记忆和期待。她以与全球电音节品牌Tomorrowland的合作为例，不变的是完整的世界观、核心的文化表达和稳定的舞美标准，观众带走的内容则带有共建属性。

唐丹妮分享道，在本地化方面，Tomorrowland将户外音乐节形态转化为完整的室内体验，落地在上海城市核心区域而非传统音乐节常见的远郊场地，“核心文化语法和基础框架在全球不同市场保持一致，但来到中国以后，又能够很好地融入本地需求和本地叙事”。

关于未来增长，张翀硕认为，音乐节未来可能形成两种已在全球市场得到一定验证的模式，一种是巡回型IP在不同城市持续落地，一种是目的地型IP，在一个固定地点形成长期吸引力。无论采用哪一种模式，“市场资源和用户注意力都可能进一步向少数具有强品牌影响力的超级IP集中”。

对于未来，唐丹妮认为，越是进入AI时代，人们越会意识到在真实的物理世界中，仍然需要通过身体和感官去建立连接，“我们仍然生活人与人在真实空间中见面、共同经历一段现场体验，会变得更加珍贵。”

小结

音乐IP的增长之路

回望整场峰会，从音乐版权到艺人经纪，从现场体验到粉丝经济，每一个板块都面临新的机遇和挑战。

过去，这四个板块分散在版权部、经纪公司、演出公司和粉丝运营团队手里。但今天，它们正在被同一套逻辑重新串联，那就是IP。

值得一提的是，TME在这场峰会上也向近四十家音乐厂牌与跨界合作方颁发了年度先锋IP创新合作伙伴、年度卓越音乐生态合作伙伴和年度卓越内容合作伙伴奖项，这是对长期以来协力打造高质量音乐IP的合作方们的嘉奖，亦是致谢。

当AI让内容生产趋于无限，单点的内容会贬值，但贯通全场景的IP会升值。

一首歌可以在影视、游戏、短视频里反复授权，一个歌手可以从录音室走向巡演、代言和粉丝社群，一场演出可以长成品牌，再长成文化符号。这也解释了为什么IP经营能力会成为未来十年音乐公司的核心竞争力和穿越周期的底气。

对于歌曲IP，无论是潘才俊所说的洗盗蹭乱象，CISAC预测的到2028年音乐创作者24%收入面临风险，这些都是悬在行业头上的达摩克利斯之剑。这也是为什么几乎所有嘉宾都在传递同一个信号，那就是增长不能以牺牲版权为代价。

在艺人IP层面，周深的海外巡演经历证明了一个朴素的道理，真实性是穿越语言和文化壁垒的最强武器；演出IP则展现出不同的增长路径，当AI让线上内容趋于无限，线下现场体验的情感不可替代性，恰恰成为演出IP最坚固的壁垒。

对于未来，只要行业守住版权底线、艺人做本地化真实的表达、主办方做好演出服务体验，那么，音乐IP的增长之路，就会越走越宽。